Bis spät in die Nacht mit Imogen Wilson

Jun 21, 2023

Der Künstler Jean-Pierre Villafañe wuchs in Puerto Rico auf und speicherte Erinnerungen an die lebhaften Viertel seiner Kindheit als Treibstoff für seine zukünftigen Unternehmungen. Er entdeckte eine leidenschaftliche Leidenschaft für Architektur und analysierte die unterschiedlichen Möglichkeiten, wie Formen und Linien das Erlebnis prägen können. Als er sein Handwerk erweiterte und weiterentwickelte, begann er, das Medium der Malerei zu nutzen, um seine eigene Realität weiter zu analysieren – und in einigen Fällen, um eine Realität zu schaffen, die völlig anders als seine eigene ist, ein Mittel zur Flucht.

Jetzt lebt er im belebten und anregenden Viertel Chinatown, wo eine Mischung aus Kulturen und Weltanschauungen zusammenkommt, um in Harmonie zu leben. New York City fungiert als ein großes, koordiniertes Biest, und Villefane versucht nicht nur, diese gut geölte Maschine in ihrer ganzen Pracht darzustellen, sondern er möchte auch die weniger sichtbaren Ereignisse beleuchten – die Dinge, die sich hinter verschlossenen Türen abspielen und zwischen den Rissen.

In seinem neuesten Werk, einer Reihe von Wandgemälden mit dem Titel „Into the Night“ in Cecchis Restaurant im West Village, untersucht Villafañe sowohl die Schnittstelle zwischen Architektur und Malerei als auch die Kluft zwischen privatem und öffentlichem Bereich. Lesen Sie weiter unten mehr über den Multi-Medium-Künstler.

Ihre kreativen Bemühungen haben ihren Ursprung im Bereich der Architektur. Warum haben Sie ursprünglich begonnen, etwas über Architektur zu lernen, und wie wirkt sich diese nun auf Ihre visuellen Kreationen aus?

Als ich in Puerto Rico aufwuchs, hatte ich die Gelegenheit, zahlreiche Wandgemälde zu schaffen, die jeweils der Hommage an die einzigartige visuelle Identität verschiedener Viertel gewidmet waren. Die Beschäftigung mit diesen künstlerischen Unternehmungen im öffentlichen Raum weckte eine Faszination für Architektur, da ich das faszinierende Zusammenspiel zwischen der Art und Weise, wie sich Menschen durch Räume bewegen, und der Kunst der Raumgestaltung erkannte. Ich habe die Malerei mit meiner Architekturausbildung verknüpft und klassische Darstellungsinstrumente eingesetzt, um Räume zu konzipieren und zu kommunizieren, um sie eher zu verzerren und in die Fantasie zu erheben. Durch die Malerei begann ich, die skalaren und annotativen Aspekte der entworfenen Linie zu hinterfragen und sie zu nutzen, um die Realität neu zusammenzusetzen und die Konsequenzen der visuellen Kommunikation und Darstellung zu hinterfragen.

Meine Arbeit versucht, die Schnittstelle zwischen figurativer Malerei und Architektur zu überschreiten und schöpft dabei aus den eigenwilligen Assoziationen, denen ich in meiner dialektischen Beziehung zur Stadt begegne. Ich nutze den Blick des Betrachters, um Momente im städtischen Umfeld in eine Bühnenkulisse zu verwandeln, sie in meinen Gemälden und skulpturalen Dioramen zu zähmen und zu domestizieren. Durch die Darstellung privater Räume in abschnittsartigen Darstellungen von Innenräumen versuche ich, dem Betrachter einen Einblick in den täglichen Ablauf des Lebens zu geben – sowohl absichtlich als auch unterschwellig – und dabei versiegelte Szenen der Selbstverwirklichung zu enthüllen und die Stadt wieder als intim zu etablieren Spektakel erfüllter und gefeierter Wünsche.

Sie haben in New York City, Hongkong und Brasilien studiert und Ihre Arbeiten wurden auf der ganzen Welt ausgestellt. Wie hat diese multikulturelle Sichtweise Ihre Arbeit beeinflusst?

Die von mir geschaffenen Kompositionen bieten eine fesselnde Linse, durch die ich die tiefgreifende Reise der Verbindung mit einer Stadt aus der Perspektive eines Außenstehenden analysiere und sie als einen Wandteppich aus Erfahrungen und einer künstlich geschaffenen Kultur betrachte. Während meines Jahres in Hongkong habe ich mich intensiv mit der Kunst der Kalligraphie beschäftigt. In Brasilien hatte ich die Gelegenheit, viele Projekte des Architekten Roberto Burle Marx zu besichtigen. Die Räume boten eine harmonische Verschmelzung künstlerischer Disziplinen, darunter Malerei, Architektur, Stadtplanung und Stickerei. Diese vielseitige Verschmelzung hatte mich schon immer in ihren Bann gezogen und einen unauslöschlichen Eindruck in meinem künstlerischen Empfinden hinterlassen. Jetzt, in der geschäftigen Atmosphäre von New York City, ist mein Blick fasziniert von der Dichte der Stadt und den faszinierenden Mikrokosmen, die sich in jeder Ecke Manhattans entfalten. Jeder Block scheint ein eigenes Universum in sich zu verkapseln, und ich fühle mich dazu hingezogen, das chaotische Stadtgefüge und die vielfältigen architektonischen Fantasien, die sich in dieser pulsierenden Metropole abspielen, ehrfurchtsvoll zu preisen.

Obwohl Sie oft mit Öl malen, verwenden Sie bei vielen Ihrer Arbeiten mehrere Medien – von Graphit über Siebdruck bis hin zu Pastellfarben. Warum entscheiden Sie sich für eine medienübergreifende Arbeit? Wie stärkt es die Botschaft hinter Ihren Werken?

Die Wurzel meiner Arbeit liegt in der Integration mehrerer Bedeutungsebenen, von denen jede auf einzigartige Weise unterschiedliche Nuancen und Darstellungen einer Vielzahl von Charakteren darstellt, denen ich begegnet bin. Diese Ideen werden durch zarte Pastellstriche verwirklicht, die den Reiz des Make-ups verstärken, durch den vielseitigen Einsatz von Graphit, bei dem Linien und Schatten Erinnerungen an meinen architektonischen Hintergrund wecken, und durch den Einsatz von Siebdruck, um meinen Kompositionen eine fotorealistische Dimension zu verleihen . Der Weg war von kontinuierlichem Experimentieren geprägt. Kürzlich habe ich mich in das Reich der architektonischen Dioramen gewagt, ähnlich wie Peepshows, ein immersives Erlebnis, bei dem der Betrachter durch ein Guckloch blickt und dann auf eine Welt aus Spiegeln stößt, auf die seine eigenen Spiegelbilder zurückblicken. Dieser dynamische Verlauf des Experimentierens mit Dimensionen und Materialien hat mir die Möglichkeit gegeben, in ein unterhaltsames Spiel voller entfesselter Exzesse und skurriler Intimität einzutauchen.

Sie haben bereits zuvor zum Ausdruck gebracht, dass sich Ihre Abhängigkeit von mehreren Medien und Techniken als „Handlungen der Abweichung“ manifestiert. Und viele Ihrer Gemälde beschäftigen sich auch mit den wilden Aspekten des Lebens. Glauben Sie, dass es Erleuchtung oder Erleichterung bringt, von Zeit zu Zeit von den Erwartungen abzuweichen?

Das Konzept des Eskapismus ist ein Thema, das mich zutiefst fasziniert. Durch meine Kompositionen verschwimmen die Grenzen des Greifbaren und Immateriellen und ermöglichen es mir, Erzählungen zu einer lebendigen und satirischen Darstellung der Gesellschaft zu verweben. Ich zeige verschiedene Aspekte der menschlichen Natur. Die Gemälde spielen mit Humor, Beobachtungen menschlicher Beziehungen und gesellschaftlichen Normen mit dem Ziel, Ruhe und Trost vor beunruhigenden Realitäten zu finden, insbesondere durch das Streben nach Ablenkung und Verzauberung. Diese Neigung manifestiert sich durch die Suche nach Unterhaltung und die Beschäftigung mit Fantasiewelten, in denen sich der Geist kurzzeitig von den Lasten der härteren Aspekte des Lebens lösen kann.

Durch die gestischen Striche verwebe und fragmentiere ich komplizierte Mikrokosmen innerhalb der Umarmung künstlicher Umgebungen und biete ein Portal in alternative Bereiche, in denen das Skurrile, Dunkle, Groteske und Komische nebeneinander existiert. Als Betrachter meiner Arbeit werden wir in ein Universum ständiger Metamorphose versetzt – eine wilde Zusammenkunft, die wir uns nur vorzustellen wagen. Vor unseren Augen entfalten sich rätselhafte Szenen, geschmückt mit karnevalesken Figuren, die in den Vordergrund schwanken und wieder verschwinden, versunken in einen fesselnden Tanz inmitten einer Kulisse endloser Ausschweifungen. Diese kunstvollen Darstellungen wecken Erinnerungen an Festlichkeiten und üppige Soireen aus der Zeit der Prohibition und erfüllen uns mit einem überschwänglichen Gefühl von Freude, Verspieltheit und Spontaneität.

Ich habe Sie zum ersten Mal getroffen, als ich Ihr Studio in Chinatown besuchte. In welcher Weise beeinflusst Ihr aktueller Standort in NYC, insbesondere Ihre spezifische Nachbarschaft, Ihre Arbeit und Themen?

Mein Studio liegt an einer besonderen Ecke und blickt auf den letzten Abschnitt des Sarah D. Roosevelt Parks, wo den ganzen Tag über eine Vielzahl von Aktivitäten stattfinden. Von Spielern über anmutig choreografierte Tänzer bis hin zu Sportbegeisterten. Daneben dient eine Bushaltestelle als Portal und entführt Menschen in verschiedene Winkel Amerikas. Das Viertel verkörpert wirklich einen Schmelztiegel innerhalb der ohnehin schon vielfältigen Stadt und fungiert als Tor, das die Lower East Side mit dem rätselhaften Herzen von Chinatown verbindet. Diese faszinierenden Charaktere, die ich beobachte, tauchen oft in meinen Gemälden auf, und ihre gegensätzlichen Identitäten finden nahtlos ihren Weg in die Menagerien meiner künstlerischen Kompositionen.

Ihre Figuren nehmen alle eine skurrile und lebhafte Form an. Warum entscheiden Sie sich dafür, alle Charaktere, die Sie malen, auf diese fantastische Weise darzustellen – was sagt das über die Menschen und „Charaktere“ aus, denen Sie im wirklichen Leben begegnen?

Durch den Einsatz markanter Rhythmen und Improvisationstechniken, die ich sowohl als künstlerische als auch als konzeptuelle Abweichungen betrachte, verwandle ich den menschlichen Körper in eine Bühne. Meine Pinselstriche werden zu sinnlichen, lyrischen Linien, und dichte Figuren aus leuchtenden Farben dienen als sprachliche Elemente, die die körperlichen Motive sowohl physisch als auch emotional beeinflussen. Indem ich diese karnevalesken Eigenschaften aufgreife, versuche ich, Identitäten neu zu erfinden, Rollen aufzulösen und die inneren Welten der Charaktere neu zu gestalten. In meinen Kunstwerken wird der Alltag in New York zu einem Theaterspektakel, das eine feine Balance zwischen Verspieltheit und Düsterkeit, Groteske und Humor schafft. Es taucht in fantastische Bereiche ein, mit Puppen und Puppen, die unsere ständig schwankenden, sich ständig verändernden Identitäten symbolisieren, um die Art und Weise neu zu konfigurieren, wie Körper ineinandergreifen und sich durch Räume bewegen.

Was war der Ausgangspunkt, der Sie faszinierte und dazu führte, dass Sie das Tabu, das Unsichtbare oder das Unausgesprochene in Ihren Darstellungen erforschen wollten?

In den Straßen von Städten wie NYC entfaltet sich ein Geflecht aus vielen unterschiedlichen Persönlichkeiten, in denen Menschen unermüdlich schuften und sich nach einer Pause von den unerbittlichen Anforderungen ihres Lebens sehnen. Diese Suche nach einem Ausweg führt oft zu versteckten Ausschweifungen und Lastern, bei denen der Genuss von Aktivitäten wie Trinken oder Drogenkonsum zu einer Möglichkeit wird, mit dem Druck der Realität umzugehen. Da ich katholisch erzogen wurde, fand ich immer Gefallen an der Absurdität der blinden Unterwürfigkeit gegenüber Normen und dem Establishment. Stattdessen versuche ich, im Unkonventionellen zu schwelgen und die satirischen Freuden zu entdecken, die tief in den Grenzen traditioneller Systeme wie Religion, Politik und gesellschaftliche Konventionen liegen.

Viele der von Ihnen geschaffenen Figuren und Räume sind unglaublich detailliert – bis hin zu den abgebildeten Accessoires oder Outfits. Welche Rolle spielt Mode in Ihren Kunstwerken? Vermitteln die Kleidungsstücke einiger Ihrer Figuren bestimmte Botschaften über das Werk selbst?

Die in meiner Kunst dargestellte Mode wird zu einer lebendigen Darstellung des Reizes und der Extravaganz, der die Charaktere entkommen wollen und die über ihre Welt des Überflusses und der Überschwänglichkeit hinausgeht. Drapierende Stoffe nehmen architektonische Formen an, während Stiletto-Absätze animierte, lebensechte Interaktionen eingehen. Diese Kleidungsstücke dienen als Medium für die Verflechtung von Körpern und verbinden architektonische Visionen mit der poetischen Essenz zufälliger Begegnungen. Manchmal kann ein einzelner Anzug mehrere Körper beherbergen, und Hosenhosen lassen mehrere Figuren entstehen, alles inmitten von Mustern und Grafiken, die die Wahrnehmung von Artikulation und Bewegung verzerren. Gleichzeitig verleihen Hüte den Charakteren Statur, Glamour und Anziehungskraft und rufen Vorstellungen von bestimmten Berufen hervor. Die Absicht besteht darin, eine Szene innerhalb einer Szene zu schaffen, die den Blick des Betrachters fesselt, während er nach und nach die Feinheiten des Kunstwerks enträtselt und die verborgenen Komplexitäten enthüllt, die das Konzept des Eskapismus weiter veranschaulichen.

Erzählen Sie mir etwas mehr über Ihr jüngstes Projekt mit dem neuen Restaurant Cecchi's im West Village mit dem Titel „Into the Night“. Warum haben Sie sich für die Sieben Todsünden als Inspiration entschieden?

Für dieses spezielle Projekt fand ich es spannend, den Begriff der katholischen Schuld zu untersuchen und mich dabei vom christlichen Konzept der sieben Todsünden inspirieren zu lassen. Die Idee für Cecchis Wandgemälde drehte sich um die Interpretation dieser Sünden aus dem 16. Jahrhundert, die ursprünglich von Hieronymus Bosch gemalt und im Rahmen eines Restaurants neu interpretiert wurde. Boschs kreisförmige Anordnung stellte diese Sünden in alltäglichen Szenen dar und diente als Erinnerung daran, dass sie in den scheinbar alltäglichen Aspekten unseres Lebens verborgen sein könnten. Die Wandgemälde nahmen diese Darstellung auf und verwandelten sich unter der kunstvollen Handschrift des Küchenchefs in einen Garten irdischer Freuden. Lust, Völlerei, Gier, Neid, Stolz, Trägheit und Zorn erwachten zum Leben, jeweils personifiziert und durch individuelle Szenen der Ausschweifung und Intimität navigiert. Die Rahmen der Wandgemälde laden den Betrachter zu einem voyeuristischen Erlebnis ein, als würde er in einen bemalten Spiegel blicken, der den Genuss sündiger Freuden offenbart.

Wie hoffen Sie, dass Ihre Wandgemälde den Kunden ein Gefühl vermitteln, wenn sie am neuen Ort speisen?

Die Wandgemälde strahlen ein Gefühl von Respektlosigkeit und Überschwänglichkeit aus und wirken wie fesselnde Spiegel, die uns dazu einladen, den illegalen und fetischisierenden Blick zu hinterfragen, der beim Betrachten ihrer Leinwände entstehen könnte. Wenn wir diese Kunstwerke betrachten, stoßen wir auf ein Spiegelbild des Restaurants selbst, das zum Nachdenken über das Zusammenspiel von Distanz und Intimität anregt. Es wird deutlich, wie die Anwesenheit oder Abwesenheit eines Zuschauers den Inhalt prägt und unsere Rolle als willige Teilnehmer und Eindringlinge in dieser faszinierenden Welt offenbart.

Durch den Blick des Voyeurs wird den Zuschauern die Möglichkeit geboten, das rätselhafte Restaurant in eine faszinierende Theaterbühne zu verwandeln. Auf diese Weise können sie den Raum innerhalb der Leinwand zähmen und domestizieren und so zu Zeugen der täglichen Ereignisse des Lebens werden. In meinen Szenen wird der Reiz der Sünde lebendig und lädt uns ein, in das exzentrische Drama dieses lebendigen Reiches einzutauchen.